8C-Equilibrio y Balance: Físico y Estético

Alexander Calder nació el 22 de julio de 1898 en Pensilvania en una cuna de artistas y aunque más adelante se rebelaría contra la sensibilidad que corría por sus venas, finalmente entendería que cuando nuestro núcleo hace combustión mediante la creación, uno no puede escapar de sus impulsos. Antes de empezar a trabajar como artista, estudió ingeniería mecánica, sin embargo, pronto se encontraría creando ilustraciones, esculturas y juguetes para niños. Fueron estos últimos los que llevaron a Calder a la fama precisamente; en su llegada a París en 1926, en la Francia reconstruida después de la guerra y los movimientos vanguardistas de comienzos del siglo pasado, Calder se encontró hechizado por la magia estética de los trapecistas, los movimientos abracadabrantes de los acróbatas y la furia de las bestias en los circos parisienses.  Su pasión por estos espectáculos lo llevaron a crear miniaturas de todos los protagonistas de las artes circenses, el llamado Calder's Circus, que captó la atención de artistas tan importantes como Marcel Duchamp.

Acrobats

Fue justamente en este circo que conoció a otro artista que cambiaría la forma en que Calder entendería la belleza estética. A una de las presentaciones asistió Piet Mondrian, que invitó a Calder a su estudio después de ver una de sus presentaciones. La abstracción del holandés impactó al americano, que tras abandonar el estudio, abandonaría la figurativa para enfocarse en una interpretación abstracta del universo. Calder entonces comenzó a experimentar con las formas y los colores, sin perder el equilibrio que había desarrollado en su trabajo figurativo. Calder igual jugó con el movimiento, al comienzo muchos de sus trabajos estaban motorizados, tal es el caso de la célebre obra "La fuente de Mercurio" que creó para el pabellón de la República Española para la exposición universal de París en 1937, en conjunto con los trabajos de su amigo Joan Miró.

Red and Yellow Vane

El equilibrio fue la marca característica del trabajo de Calder y fue la mezcla del equilibrio físico con el estético que dio origen al trabajo más celebrado de Alexander: los móviles. El móvil nace de la idea de Calder de utilizar el alambre, un material con el que siempre estuvo familiarizado y llegar a una exploración de las figuras y la abstracción, donde buscó además crear algo similar a un "dibujo en el aire". Es en sus móviles que uno encuentra su entendimiento del equilibrio, pues en ellos no sólo encontramos un equilibrio físico, donde las figuras presentadas se mantienen estables, sino que también el peso visual en todas sus obras encuentra balance. Otra de las características más importantes de sus móviles es, tal como se aprecia en su nombre, el movimiento, puesto que sus obras siempre buscaron jugar con la cinemática y la cinética. 

Un móvil de Calder

A continuación se muestra un móvil realizado por mí, juntado el equilibrio de Calder con mi estilo artístico.

El Espejo

La idea detrás de mi móvil es mostrar las caras de varios de los defectos del hombre. Cada cara representa su propio defecto:

La Sibila

La Ingenuidad

El Abuso

El Salvajismo

El Engaño

La Furia

La Hipocresía

La Hipocresía

Referencias:

-Londres, B. (2018). Calder o el equilibrio imposible del arte popular. Noticias de Cultura. El Confidencial. Retrieved 31 March 2018, from https://www.elconfidencial.com/cultura/2015-11-11/calder-escultor-moviles-tate_1091301/

-Anónimo. (2018). Alexander Calder Biography, Art, and Analysis of Works. The Art Story. Retrieved 31 March 2018, from http://www.theartstory.org/artist-calder-alexander.htm

8B-Ejercicios desarrollados en clase

El equilibrio visual puede expresarse de muchas maneras, dos de esas formas son el equilibrio axial y el equilibrio radial.

Equilibrio radial: Se produce cuando las formas están equilibradas tomando como ejes los radios de una circunferencia.  Ejemplos de este equilibrio se pueden encontrar fácilmente en objetos cotidianos, como en los radios de una bicicleta o en los neumáticos de un carro. Inclusive en la naturaleza podemos encontrar abundantes ejemplos, uno muy claro es la margarita. 

Equilibrio radial

Equilibrio axial: Es aquel que se organiza según uno o más ejes presentes o implícitos, que pueden ser verticales, horizontales o inclinados. El ejemplo más claro de este equilibrio es la balanza, pues ambos lados son idénticos. De igual forma, encontramos muchos organismos tanto animales, como vegetales y minerales que lo presentan. Un reflejo en el agua origina dos formas simétricas.

Equilibrio axial

Tomando en cuenta estos conceptos, nos organizamos en grupos de tres para que con hojas de papel creáramos dos estructuras, cada una cumpliendo los requisitos del equilibrio axial y radial. Estos fueron los resultados:

Boceto del edificio con simetría axial

Bocetos

Edificio con simetría axial

Edificio con simetría axial

Edificio con simetría radial

Edificio con simetría radial

Referencias:

-Anónimo. (2018). Tipos de equilibrio. Comunicación visual.  Recuperado el 28 de marzo del 2018, de http://comunicacionvisual.tumblr.com/post/13196374514/tipos-de-equilibrio

-Anónimo. (2018). 2.1. Simetría axial y radial |. Lanubeartistica.es. Recuperado el 28 de marzo del 2018, de http://www.lanubeartistica.es/dibujo_artistico_2/Unidad2/DA2_U2_T3_Contenidos_v01/21_simetra_axial_y_radial.html

8A-Simetría

La simetría es el equilibrio en una composición visual, puede referirse al uso determinado de las formas, líneas y colores de una obra creativa. Para alcanzar un equilibrio visual, debemos organizar los elementos que conforman la composición gráfica de forma que simulemos un espejo que se refleje en ambos lados, es decir poner los elementos a la misma altura tanto en ambos lados, buscar una que los colores utilizados sean los mismo, ocupar las las mismas texturas, etc. Cuando se alcanza una simetría, el resultado es agradable a la vista.

La actividad en clase consistió en conseguir una aplicación que pudiera simular un espejo que comparara los hemisferios izquierdo y derecho de nuestra cara, simulando un espejo para cada lado. Cabe destacar que fue muy entretenido observar como nuestras caras no poseían una simetría total, lo que resultaba en una visión graciosa de nuestros rostros. Este fue el resultado:

Nótese el contraste entre ambos lados de mi cara

Referecnias:

-Durán, A. (2018). Simetría, su importancia en el diseño y creativos ejemplos visuales | paredro.com. paredro.com. Retrieved 28 March 2018, from https://www.paredro.com/simetria-su-importancia-en-el-diseno-y-creativos-ejemplos-visuales/

7D-Economía estética

Menos es más

Ludwig Mies van der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe nación en Aachen, Alemania, un 27 de marzo en 1969, es posible que l momento de su nacimiento no se concibiera lo que su obra más adelante haría para el mundo de la arquitectura, pero hoy día, es imposible que aquellos que nacieron para la arquitectura eviten su obra. 

Uno de los arquitectos más brillantes del siglo pasado, junto con Gropius, Le Corbusier y Wright, su trabajo con las edificaciones de metal y vidrio, cambió el mundo de la arquitectura hasta nuestros días.

Existe un frase que marcaría el desarrollo de van der Rohe como arquitecto, "Menos es más", y es innegable que su apego a este principio puede notarse a lo largo de sus obras más celebradas. Este no fue siempre el estilo que buscó; después de abrir su estudio en Berlín, comenzó diseñando arquitectura neoclásica, aunque un viaje a los Países Bajos en 1912 y el descubrimiento del arquitecto H. P. Berlage, le llevaría a cambiar sus intereses. Después de la derrota alemana en la Gran Guerra, Ludwig se adhirió a los distintos movimientos vanguardistas que surgieron en Europa, comenzando con el diseño de un edificio de oficinas en Berlín para la Friedrichstrasse, el cual recibió el apodo de El Panal. Este primer acercamiento a la arquitectura expresionista, con su rascacielos "transparente", marcaría el comienzo de la arquitectura característica de Mies van der Rohe.

El Panal

En la década posterior saltaría a la fama, principalmente por el pabellón alemán en  Exposición Universal de Barcelona de 1929, para el cual diseñó el sillón Barcelona, pero también por la casa Tugendhat en lo que actualmente es República Checa. Ambas destacan por tener estructuras geométricamente sencillas, espacios continuos, una gran incidencia de luz natural y por estar construidos con materiales nuevos para aquella época, como es el caso del cemento armado.

Pabellón Barcelona

Casa Tugendhat

 Mies se caracterizó por una sencillez estética, derivada de su antes mencionada frase, menos es más. Asimismo, su arquitectura se caracteriza por una rigidez geométrica, una carencia total de elementos ornamentales y una predominancia de espacios diáfanos, particularmente abiertos, enfocándose en el dominio de las proporciones y en la elegancia de los materiales con que construía, entre los que destacaban los metales y el vidrio, aunque llegó a trabajar con materiales como el mármol, ónice, acero cromado y maderas nobles. La obra de Mies está fuertemente ligada con la economía estética, la cual busca desarrollar una idea libre todos los conceptos antes concebidos y que la creación alcance plenitud artística. Sin embargo, esta libertad en el diseño trae consigo una pequeña gran consecuencia: al momento de realizar el proyecto, el autor se da cuenta de que es prácticamente imposible trasladar el diseño a lo físico, por lo que el edificio se ve modificado. Además, los costos de realizar una obra de este tipo serían muy altos.

En síntesis, la arquitectura que Mies van der Rohe cambió la forma en que se diseña, desde la poética sencillez de las tramas y figuras que les conforman, hasta los materiales que hacen de esqueleto, las edificaciones de Mies se distinguen por una elegancia innata, que sólo puede ser entendida como una economía estética, que si bien tiene sus dificultades, demuestra que en efecto, menos es más. 

7C-Estética

Relativa a la sensibilidad y la percepción, la estética se puede entender como percibir con los sentidos. La palabra deriva de las voces griegas “aisthetikê” (percepción), “aisthesis” (sensibilidad) e “ica” (relativo a). Se refiere a aquello que es bello; lo que se percibe como bello. De igual forma, en la filosofía se entiende como la rama que estudia el estudio de la esencia y la percepción de la belleza.
Los diseños estéticos presentan una mayor sencillez de uso y, sobre todo, crean una sentimiento de empatía con el consumidor que tenderá a utilizarlos en el tiempo con una mayor aceptación. Los diseños estéticos crean y fomentan actitudes positivas en tanto a la percepción del producto, al funcionamiento y a su continuidad en el tiempo, y desarrollan sentimientos de lealtad, agrado y fidelización hacia el producto y hacia la marca que el producto conlleva asociada. Por el otro lado, los diseños que no contemplan aspectos estéticos tienden a ser rechazados en períodos más cortos de tiempo, al no resultar funcionales y al crear sentimientos negativos que paralizan la creatividad y la resolución de problemas en su uso, además crear situaciones estresantes que reducen la buena percepción de la marca y la continuidad en su uso.

Justamente esto fue lo que se buscó durante la clase, crear una edificación mediante el uso de objetos cotidianos, buscando un diseño simple, que no tuviera elementos innecesarios en su diseño. Debimos crear un edificio ocupando objetos que encontrásemos en el salón, en nuestro caso fueron los siguientes:

• Una lata de Coca-Cola aplastada
• Un envase de jugo Del Valle
• Una cinta adhesiva
• Tijeras
• Una bolsa de Chips enrollada

El edificio resultó como se muestra a continuación:

El edificio y sus componentes

Posteriormente tuvimos que ocupar este concepto para transformar el edificio en un dibujo que se asemejase más a una estructura arquitectónica. Mi dibujo es el siguiente:

Mi diseño

Referecnias:

-Breto, R. (2018). La importancia de la estética en el diseño. LAbALLESTA. Retrieved 28 March 2018, from https://laballesta.wordpress.com/2012/11/14/la-importancia-de-la-estetica-en-el-diseno/

7B-Ejercicios desarrollados en clase

Las relaciones espaciales se pueden describir como la forma en que interactúan el espacio y los eventos que se desarrollan dentro de él. Esta interacción se clasifica en cuatro distintas vinculaciones: pertenencia, intersección, yuxtaposición y encadenamiento.

 -Pertenencia: Un espacio dentro de otro. En la organización del espacio, en elementos que constituyen el interior como las columnas, escaleras entre otros, definen y participan en el espacio interior. El espacio funcional determina nuestros desplazamientos, pero puede también revelar modelos de conducta mediante barreras u obstáculos.

 -Intersección: Un espacio montado en otro.  Este a su vez puede ser entendido de tres formas distintas:

• Espacio compartido
• Espacio neutro entre los dos
• Espacio independiente

La vinculación de dos objetos consiste en que ambos se solapen entre ellos, generando un zona espacial compartida. 

 -Yuxtaposición: Un espacio entra en contacto con el otro. Cuando los espacios se multiplican y comunican entre ellos, se generan espacios encadenados.

 -Encadenamiento: Espacios vinculados por un intermediario. Son dos espacios que están a cierta distancia, pueden ser unidos mediante un tercer espacio son separados a cierta distancia, pueden enlazarse o relacionarse entre sí con un tercer espacio, el cual actúa de intermediario. La relación que se encarga de unir los elementos deriva de las características del espacio común al que están ligados.

La actividad consistió de ocupar los términos aprendidos para que en equipos de tres sacáramos fotos que pudieran ejemplificar los conceptos. Estos fueron los resultados:

Pertenencia

Yuxtaposición

Intersección

Encadenamiento

Posteriormente tuvimos que realizar dibujos que fuesen muy sencillos y que ejemplificaran los conceptos expresados en las fotos.

Referencias:

-Pérez, L. (2018). RELACIONES ESPACIALES BÁSICAS. Es.slideshare.net. Retrieved 28 March 2018, from https://es.slideshare.net/LuisIsmaelPrez/conceptos-espaciounidad-1

-Anónimo (2018). Lae.ciga.unam.mx. Retrieved 28 March 2018, from http://lae.ciga.unam.mx/arcgis/M1/Las%20Relaciones%20Espaciales.pdf

7A-Continuidad

La continuidad es uno de los principios de la Gestalt. La continuidad son detalles o características que forman parte de un diseño, y que siguen un patrón o dirección, agrupándose como parte de un modelo. El objetivo es que se perciba una misma dirección en el diseño.

La cinta de Moebius

Descubierta en 1858 por los matemáticos alemanes August Ferdinand Möbius y Johann Benedict Listing, es una superficie reglada y no orientable, de una sola cara y un solo borde. La cinta ha sido explorada por las ciencias matemáticas por sus peculiares carateístcias, pero también ha sido motivo de atención por parte de las artes e incluso, de la magia.


Si se desliza tumbado sobre una Moebius mirando hacia la derecha, al dar una vuelta completa aparecerá mirando hacia la izquierda. Además, si deslizamos el dedo por el borde, recorreremos todo su borde volviendo al punto de partida, de manera que no tiene dos bordes sino uno. De igual forma, podemos deslizar un dedo por la banda para comprobar que, análogamente, solo tiene una cara.

Cinta de Moebius

Se puede apreciar que la línea es continua, es decir,
la cinta sólo posee una cara

Si la cinta es cortada a un tercio, se
forman dos distintas líneas entrelazadas

Referencias:
-G-Tech Design. (2018). Principios y Leyes de la Gestalt en el Diseño Gráfico. G-Tech Design | Agencia de Diseño Gráfico y Redes Sociales en México. Retrieved 28 March 2018, from http://gtechdesign.net/es/blog/leyes-de-la-gestalt-en-el-diseno-grafico

-La cinta de Moebius. (2018). ¡Mates, Mates!. Retrieved 28 March 2018, from https://matesmates.wordpress.com/2011/02/16/la-cinta-de-moebius/

-Los Principios de la Gestalt Diseño Gráfico | Magical Art Studio. (2018). Magical Art Studio. Retrieved 28 March 2018, from https://magicalartstudio.com/los-principios-de-la-gestalt-en-el-diseno-grafico/

-Martín, A. (2018). Cinta de Moebius – Y Arquitectura. Yarquitectura.com. Retrieved 27 March 2018, from https://www.yarquitectura.com/cinta-de-moebius/